Tâm Lí Học Và Quá Trình Của Một Khái Niệm Nghệ Thuật

17/05/2022

Trước đây tôi đã viết một số bài báo về tính cách sáng tạo, cách điều hướng các mối quan hệ khi cả hai người trong một cặp đôi đều hoạt động trong lĩnh vực nghệ thuật, cũng như động lực và sự kiên trì cần có để theo đuổi ước mơ trong thế giới nghệ thuật bất chấp sự trái ngược của họ.

Một chủ đề đã từng xảy ra với tôi, mà tôi nghĩ sẽ rất được quan tâm, đó là quá trình sáng tạo. Các nghệ sĩ khác nhau nghĩ gì và làm gì để lấy cảm hứng, để tìm ra ý tưởng từ cảm hứng cho một chương trình? Con đường của họ như thế nào? Làm thế nào để những tài năng độc đáo và những tính cách năng động này thực hiện quá trình sáng tạo từ các hướng khác nhau, nhưng lại đi đến cùng một kết quả là một tác phẩm hoàn chỉnh, đẹp mắt và khơi gợi cảm xúc?

Trong tác phẩm gồm hai phần này, tôi sẽ dành phần đầu tập trung vào bốn nghệ sĩ rất khác nhau, hấp dẫn và có triển vọng, cũng như một chủ sở hữu phòng tranh về vai trò của họ trong quá trình từ khi bắt đầu đến khi trưng bày. Trong phần thứ hai của tác phẩm gồm hai phần này, tôi sẽ tập trung vào Giám đốc một phòng tranh, và quan điểm của ông ấy về quá trình và tâm lý làm việc với các nghệ sĩ, cũng như việc hỗ trợ họ trên con đường của họ.

Quá Trình Sáng Tạo: Từ Khi Bắt Đầu Đến Khi Trưng Bày

1. Gus Fink

Instagram: Gusfink

Facebook Fan Page: www.facebook.com/gusfinkstudios

Website: www.gusfinkstudios.com

Gus có một phong cách hoàn toàn độc đáo cho riêng mình. Anh luôn cố gắng thúc đẩy bản thân tham gia vào các dự án và lĩnh vực mới, đồng thời có mong muốn thực sự trở thành tiếng nói và hình mẫu anh muốn có được trong giới nghệ thuật khi còn trẻ. Tôi hy vọng rằng anh ấy sẽ không phiền khi tôi nói thêm rằng anh ấy cảm thấy rằng cuộc trưng bày sắp tới của anh ấy là “tác phẩm hội họa quan trọng nhất mà anh ấy đã thực hiện cho đến nay”. Nó mang tính cá nhân và quan trọng sâu sắc, và điều đó chỉ có thể xuất hiện trong tác phẩm một cách mạnh mẽ.

Dưới đây là suy nghĩ của Gus về trải nghiệm và quá trình sáng tạo của anh ấy:

“Với tư cách là một họa sĩ, tôi đã bắt đầu bán tác phẩm của mình trong các phòng trưng bày vào năm 2001. Kể từ đó, tôi đã có 15 cuộc trưng bày cá nhân và trở thành một phần của 25 chương trình nhóm. Con đường cho đến bây giờ luôn có những thăng trầm và tháng 9 này tôi sẽ có cuộc trưng bày Solo đầu tiên tại LA kể từ năm 2009.

Trở lại khi tôi mới đến LA, và bây giờ tôi đã trở lại một vài lần để đi công tác. Hồi đó tôi mới bước sang tuổi 30 và bây giờ đã gần bước sang tuổi 40. Kể từ đó, đã có rất nhiều thứ thay đổi và tôi đã có một số cuộc trưng bày solo / nhóm ở bờ biển phía Đông, gốc gác của tôi. Sự nghiệp của Phòng trưng bày là một phần trong sự nghiệp của tôi, và may mắn thay, tôi có thể nghĩ ra rất nhiều cách để trở thành một họa sĩ toàn thời gian trong hơn 18 năm, không giảng dạy và không làm việc tự do. Chỉ tôi, không đại diện, không quản lý.

Một anh chàng trong căn phòng bị cách li khỏi xã hội lấy những tấm vải trắng, giấy tờ, gỗ, v.v. và biến nó thành một thứ gì đó. Thứ gì đó mà tôi yêu thích và hy vọng người khác có thể nhìn thấy có một năng lượng đặc biệt phát ra từ nó, dù có trong tiềm thức hay không. Nó khiến họ tiêu tiền vào thứ mà tôi đã nghĩ ra trong đầu. Tôi coi đó là thuật giả kim, thuật giả kim chân chính.

Bạn có thể đang nghĩ cái này có liên quan quái gì đến các phòng trưng bày hoặc thứ bạn đang nói. Chà, tôi sẽ vào việc chính luôn đây. Buổi trưng bày cá nhân tiếp theo của tôi có tựa đề “Những người bạn trên Facebook”. Đây là lần duy nhất tôi đưa chủ đề vào một buổi trưng bày. Thông thường, tôi chỉ bọc, đóng gói và treo tác phẩm hiện tại yêu thích của mình với một vài tác phẩm cũ hơn.

Buổi trưng bày này, tôi muốn làm thứ đó như kiểu một series đầy đủ. Tôi đã được biết đến với những bức tranh Kinh dị Cổ xưa, chúng mang lại cho tôi nhiều buổi triển lãm tại phòng trưng bày, các thỏa thuận cấp phép đối với áo sơ mi được bán trong chuỗi cửa hàng Hot Topic, và hơn thế nữa. Nhưng tôi chưa bao giờ thực hiện kỹ thuật đó hoặc vẽ lên người với những bức ảnh thời hiện đại. Ngày nay, mọi người đều là nhiếp ảnh gia ở một mức độ nào đó. Nó gần như là một món hàng vô giá trị vì dễ dàng tiếp cận. Mọi người chụp ảnh tự sướng và chụp bất cứ thứ gì họ thích bất cứ lúc nào họ muốn.

Facebook là nơi mà người lớn kết nối trong khi thực sự gửi tâm hồn của họ vào chế độ trực tuyến thay vì có những kết nối thực sự giữa con người với nhau như chúng ta ngày xưa. Vì vậy, đối với buổi triển lãm này, tôi sẽ lấy ảnh hồ sơ của những người bạn khác nhau trên Facebook mà tôi có, hầu hết những “người bạn” này tôi còn chưa từng gặp ngoài đời. Một số người tôi thậm chí còn không biết liệu họ có đúng như những gì họ nói hay không.

Nhiều người dường như là người hâm mộ tác phẩm của tôi và tôi rất biết ơn vì điều đó. Nhưng tôi chưa bao giờ thực sự cảm thấy mình có một phần nhỏ trong số những người bạn này trong cuộc sống thực. Thực tế là, tôi không nhận được một cuộc điện thoại nào từ bất kỳ ai ngoài vợ và anh trai mình.

Vì vậy, tôi sẽ lấy những bức ảnh này và biến chúng thành tác phẩm nghệ thuật. Tôi đang tạo ra một thứ gì đó mới mẻ từ việc chụp ảnh màn hình selfie vô giá trị và sau đó để người đó đưa tôi đến một nơi khác. Mục tiêu của mỗi thứ là biến nó thành thứ gì đó khơi dậy cảm xúc thô sơ thực sự.

Rất nhiều thứ trên Facebook và mạng xã hội là giả. Đó là những người đang cố gắng trở nên hoàn hảo. Đó không phải là những người họ thực sự kín đáo hay những thứ thậm chí đôi khi có vẻ như gần gũi và cá nhân TRONG CUỘC SỐNG THỰC SỰ. Những tác phẩm mới này mang màu sắc đen tối, hỗn loạn, quyến rũ, tâm thần, đau đớn và đẹp đến kinh ngạc. Bởi vì chúng là cuộc sống THÔ SƠ thực sự được tạo ra bằng vật liệu và bàn tay trên nguyên tử chính hãng đích thực có một không hai có thể làm vỡ chúng bằng mùi và vị.

Làm thế nào tôi đến được đây với ý tưởng cho buổi triển lãm này? Bao năm nhìn thế giới cách xa nhau. Nhiều năm để bản thân mình chìm đắm trong việc tạo ra thế giới từ đầu óc và tâm hồn của mình và liên tục trổ ra ngoài cho mọi người xem, chủ yếu là trực tuyến. Nhưng mỗi năm một lần hoặc có thể hơn, tại một buổi triển lãm tranh.

Vì vậy, bằng cách lướt những bức ảnh này của bạn bè trên Facebook của tôi và biến chúng thành một tác phẩm nghệ thuật thô thực sự để mọi người nhìn thấy trong cuộc sống thực chứ không phải trên màn hình của họ, tôi lại lần nữa trở thành một Nhà giả kim, biến không thành có, biến có thành nhiều, và làm cho mọi thứ chuyển động, thay đổi và lan tỏa những dấu ấn bên trong tâm hồn tôi để mọi người được truyền cảm hứng.

Hãy đánh thức một thế giới sáng tạo hơn. Hãy kết nối lại lần nữa. Buổi trưng bày của tôi sẽ diễn ra vào ngày 9 tháng 9 tại Dark Art Emporium ở Long Beach California. Tôi hy vọng sẽ gặp bạn ở đó!”

2. Julie B.

Website: JuliesArt.com

Facebook Fan Page: https://www.facebook.com/JuliesArtCom/

Instagram: juliesartcom

Julie rất sáng tạo, sẵn lòng thử những điều mới, và quan trọng nhất là, luôn cống hiến mình cho người khác. Cá nhân tôi đã trải nghiệm rằng cô ấy rất vui khi chia sẻ những mánh khóe buôn bán với tôi. Sự sẵn sàng giúp đỡ người khác của cô ấy đã tạo ra những cách mà cô ấy đã mất nhiều năm để trau dồi thông qua thử nghiệm và sai lầm. Niềm vui của cô ấy, sự chú ý đến từng chi tiết và không sợ hãi của cô ấy, thể hiện trong tác phẩm của cô ấy.

Đây là suy nghĩ của Julie:

“Một trong những điều tôi yêu thích khi sáng tạo nghệ thuật là sự đa dạng các phương tiện và quá trình có thể được sử dụng. Ở trường nghệ thuật, tôi tham gia nhiều lớp học khác nhau nhất có thể và thử nghiệm nhiều hơn trong những năm qua. Tôi nghĩ rằng hầu hết mọi người đều có thể hưởng lợi từ việc sáng tạo nghệ thuật. Trải nghiệm này vừa kích thích tinh thần vừa giúp thiền định cùng lúc.

Niềm đam mê lớn của tôi là động vật. Chúng tiến vào hầu hết các tác phẩm nghệ thuật của tôi – từ phương tiện truyền thống, đến đồ thủ công, đến nghệ thuật trò chơi. Trong khi một số tác phẩm của tôi hơi tối hơn một chút (ví dụ: những con chim có xương điêu khắc trong “Death of Life” lấy cảm hứng từ bãi rác Pacific Gyre), hầu hết đều phấn khích và kì quái. Tôi muốn tạo ra tác phẩm khuyến khích nụ cười và giúp người xem lướt thế giới động vật thay thế, nơi một con tê tê là giáo sư địa lý, hoặc một con sóc bay cai trị thế giới ngầm.

Quá trình sáng tạo của tôi bao gồm rất nhiều nghiên cứu về động vật và thu thập tài liệu tham khảo. Tôi cố gắng giữ đúng với hình thức cốt lõi của chúng trước khi thêm một vòng quay nhân hình. Với một số tác phẩm của mình, tôi có một tầm nhìn xác định; nhưng với nhiều người, câu chuyện của họ phát triển khi khuôn mặt và tính cách của họ trở nên sống động.

Tôi thực sự thích làm các tác phẩm điêu khắc và gần đây tôi rất thích làm len chọc. Đây là một quá trình tốn nhiều thời gian liên quan đến việc chọc các sợi len lỏng lẻo bằng kim thép gai cho đến khi thành hình, nhưng đây là một cách tuyệt vời để tái tạo sự mềm mại của động vật.

Tôi đã đủ may mắn để tạo ra các phiên bản thu nhỏ của động vật linh hồn hoặc vật nuôi yêu quý của con người: dơi, thỏ, chó, mèo, hươu cao cổ, vượn cáo, con lười, dê, gấu, chim tardigrades, v.v. Tôi rất biết ơn khi có thể sử dụng tác phẩm nghệ thuật của mình để quyên góp cho một số tổ chức từ thiện động vật yêu thích của tôi khi ngân quỹ eo hẹp.

Tôi có sự tôn trọng sâu sắc đối với những sự hy sinh mà các tổ chức này thực hiện để chăm sóc những loài dễ bị tổn thương nhất. Có một số phòng trưng bày lớn đã cho tôi cơ hội để chia sẻ tác phẩm của mình trong môi trường công cộng. Tôi hiện có một tác phẩm, ‘Benny’, được trưng bày tại Phòng trưng bày Hyaena ở Burbank.”

3. Jeremy Cross

Instagram: jeremycrossart

Cửa hàng Online: jeremycross.bigcartel.com

Các dự án sắp tới:

August – “The Troma Show” ở Hyaena Gallery
“Sideshow Revival” (Performer) ở Alex’s Bar Long Beach
September – “3am” ở Hudson Hughes Gallery
October – “Occult show” ở Future Gallery
November – “Underworld” ở Copro Gallery
“Requiem” (người phụ trách) Dark Art Emporium

Nghệ sĩ tiếp theo mà tôi hân hạnh được giới thiệu với bạn là Jeremy Cross. Jeremy được tiếp thêm năng lượng bởi nhiều nỗ lực và phương tiện nghệ thuật khác nhau. Anh ấy không thích bó hẹp trong bất kỳ một phong cách hay không gian nào quá lâu, để giữ cho nguồn sáng tạo của mình luôn tuôn chảy.

Anh ấy có một phong cách độc đáo, gợi lên cho người xem một điều gì đó không thể chối từ. Quan trọng nhất, anh ấy cực kỳ khiêm tốn, hào phóng và cống hiến cho người hâm mộ của mình; gần đây nhất là xây dựng một dự án với các nghệ sĩ đồng nghiệp để khiến cho tác phẩm của họ có giá cả phải chăng và có thể tiếp cận được với những người muốn sở hữu một tác phẩm sáng tạo thực sự.

Các nghệ sĩ tham gia được thử thách chỉ sử dụng các vật phẩm mà họ có thể mua từ cửa hàng 99 xu. Tôi phải nói rằng đó là một trong những điều sáng tạo, thú vị và thậm chí hết sức hài hước mà bạn có thể tưởng tượng. Phiên đấu giá đầu tiên vừa được tổ chức trên eBay, với nhiều hứa hẹn sẽ đến. Tôi không thể lấy được một vài mảnh trong lần ra mắt đầu tiên này.

Dưới đây là một số suy nghĩ của Jeremy:

“Tôi ước đó là một khoảnh khắc kỳ diệu đầy cảm hứng. Một chút ánh sáng thanh tao của ngoại thức mang lại tầm nhìn cho những tác phẩm mới. Đó là mơ, phải không? Nhưng nó không hoạt động theo cách đó. Thực tế nghiệt ngã, thời gian khó khăn, và đôi khi đau đớn.

Nếu tôi đang thực hiện một tác phẩm cho buổi triển lãm nhóm theo chủ đề mà nó có thể dễ dàng hơn hoặc khó hơn rất nhiều. Cố gắng tìm đường vào chủ đề. Sự cân bằng giữa việc bạn muốn bất cứ điều gì bạn làm giống như nội dung của bạn trong khi phù hợp với chủ đề của chương trình.

Đối với tác phẩm mà tôi làm cho bản thân, nó thường trở thành một buổi triển lãm solo. Quá trình này hoàn toàn khác. Tôi không bao giờ thử nghĩ ra chủ đề cho series. Tôi chỉ làm việc. Tôi vẽ và phác thảo rất nhiều tác phẩm và nếu một sợi dây chung bắt đầu chạy qua nó, thì tôi biết mình đang làm gì và tôi bắt đầu thực hiện từ đó.

Tôi làm rất nhiều bản phác thảo. Phác thảo giúp tìm ra nó. Tôi mang theo cuốn sổ phác thảo của mình và đi đến một quán bar dành cho người lặn vắng người, uống rượu và vẽ phác thảo. Tôi ghi chép qua các trang để cố gắng tìm ra các góc, ánh sáng, ý tưởng phù hợp. Tôi vẽ những thứ mà tôi biết là sẽ trở nên tồi tệ, những ý tưởng hoàn toàn ngớ ngẩn. Bạn vượt qua những điều đó bởi vì chúng thường mang lại điều gì đó bất ngờ.

Khi tôi đã tìm thấy lỗ hổng trong tác phẩm của mảnh, tôi sẽ sửa lại nó trên giấy. Sau đó, vẽ nó một lần nữa lên gỗ. Tôi chủ yếu là một họa sĩ sơn dầu và tôi bắt đầu với những mảng màu mỏng được ngâm với Liquin. Điều này cho phép bản phác thảo vẫn hiển thị trong khi tôi xây dựng các lớp.

Nhưng tôi cũng chơi với pyrography khá nhiều, một số tác phẩm điêu khắc, tập hợp đa phương tiện (ghi chú của người viết: một trong những phong cách yêu thích của anh ấy), tạo khung phức tạp, v.v. Mỗi thứ đều có quy trình, chương trình và dòng chảy riêng của chúng. Tôi không thể gắn bó với một phương tiện hoặc một cách tiếp cận quá lâu, tôi rất dễ cảm thấy nhàm chán.

Đa dạng là sự cứu rỗi của tôi. Điều này mở rộng với tất cả mọi thứ. Ngoài việc tạo ra các tác phẩm nghệ thuật truyền thống, tôi còn là một người phụ trách có kinh nghiệm (tôi hiện đang làm việc với phòng trưng bày thứ 3 của mình – The Dark Art Emporium ở Long Beach Ca. ‘Requiem’ buổi trình diễn đầu tiên của tôi dành cho họ sẽ khai mạc vào tháng 11 này).

Tôi chơi guitar và hát. Tôi viết. Tôi làm đồ nội thất từ những thùng rượu cũ và sắp tới, tôi sẽ thêm nghệ sĩ biểu diễn Vaudeville vào danh sách đó khi tôi hóa thân thành ‘The Divine Reverend Swine’ với tư cách là người dẫn chương trình và MC của ‘Sideshow Revival’ bắt đầu vào ngày 27 tháng 8 tại Alex’s Bar ở Long Beach.

Mỗi nhánh trên con đường, mỗi sự phân tâm, đều thổi luồng sinh khí mới vào phần tiếp theo. Giúp tôi luôn tươi mới với mỗi giai đoạn của một quy trình. Nếu sự đa dạng thực sự là gia vị của cuộc sống, thì tôi sẽ coi cuộc sống của mình tràn đầy gia vị. ”

4. Camilla D’Errico

Website: camilladerrico.com

Facebook Fan Page: www.facebook.com/camilladerricoar

Instagram: camilladerrico

Nghệ sĩ cuối cùng mà tôi rất hân hạnh chia sẻ cùng bạn, là Camilla D’Errico. Cô ấy đơn giản như đang thổi một luồng gió mới . Tác phẩm của cô ấy rất đẹp, tràn đầy sức sống, tình yêu, sự uy nghiêm và yên bình. Phong cách độc đáo của cô ấy có thể nhận ra ngay lập tức. Tôi sẵn sàng cá rằng bạn đã từng xem tác phẩm của cô ấy, ngay cả khi bạn không biết tên của cô ấy trước đây (mặc dù tôi dám cá rằng nhiều người trong số các bạn đã biết).

Cô ấy có một thái độ tích cực và tình yêu đối với đồng loại của mình. Cô ấy muốn chia sẻ niềm tin và cách sống đó với những người khác thông qua tác phẩm của mình. Mặc dù thành công, nhưng cô ấy rất khiêm tốn. Dù tài năng nhưng cô ấy cảm thấy mình luôn có thể thúc đẩy bản thân học hỏi và cố gắng nhiều hơn nữa. Dù bận rộn, nhưng cô ấy luôn dành thời gian để giảng dạy và chia sẻ với những người khác đang muốn thể hiện bản thân thông qua nỗ lực.

Dưới đây là một số suy nghĩ của Camilla về quá trình sáng tạo của cô ấy và cách cô ấy đến với chương trình sắp tới của mình:

“Tôi thích trở thành một nghệ sĩ vì về cơ bản tôi được tồn tại trong hai thế giới. Tôi dành nửa ngày trong thế giới sáng tạo của mình: Tôi rơi vào thế giới đó giống như Alice xuống hang thỏ. Tôi tập trung vào việc tạo ra những bức tranh của mình, dồn cả cảm xúc và tâm hồn vào chúng, quên đi bất cứ điều gì khác trong quá trình này.

Mặt còn lại của cuộc đời tôi là thực tại, chẳng khác gì thế giới cầu vồng nhỏ bé của tôi. Bên cạnh đó cuộc sống của tôi đầy ắp email, lịch trình, cuộc họp, mạng xã hội, đàm phán hợp đồng và lập kế hoạch cho tương lai.

Vấn đề với việc trở thành một nghệ sĩ là cánh cửa dẫn đến thế giới sáng tạo của tôi không phải lúc nào cũng dễ dàng tìm thấy. Rất nhiều người hỏi tôi rằng tôi lấy cảm hứng từ đâu và ý tưởng của tôi đến từ đâu, đó là một câu hỏi vô cùng khó trả lời.

Nếu tôi hình dung nguồn cảm hứng của mình, đó sẽ là một mê cung nơi tôi bước vào và cố gắng tìm hiểu những suy nghĩ, ý tưởng, hình ảnh ngẫu nhiên; và tôi mở hết cửa này đến cửa khác để xem liệu đằng sau những nơi này có phải là mảnh linh hồn của tôi mà tôi muốn tái hiện trong thế giới thực hay không.

Vài tháng trước, tôi đã tổ chức một buổi triển lãm cá nhân mới với Corey Helford Gallery vào tháng 3 năm 2018 tại Los Angeles. Tôi rất phấn khích, bởi vì tôi ngưỡng mộ chủ sở hữu phòng trưng bày và không gian, và thật vinh dự khi được mời có mặt trong khu vực triển lãm chính. Tuy nhiên, tôi đã không thể tạo chủ đề cho buổi triển lãm của mình cho đến gần đây.

Tôi đã cố gắng trong nhiều tháng để phác thảo và đưa ra những hình ảnh mà tôi muốn vẽ, nhưng hết ý tưởng này đến ý tưởng khác, ý tưởng của tôi trở nên trống rỗng. Điều này luôn xảy ra với các họa sĩ, khối họa sĩ. Tôi không biết làm cách nào để đi vòng quanh tảng đá âm bản khổng lồ đã tự dựng lên trong đầu óc sáng tạo của mình.

Mãi cho đến chuyến đi gần đây đến Rome của tôi, tôi mới có một bước đột phá. Tôi nhận ra rằng năm nay, tôi đã tập trung vào tất cả các khía cạnh tiêu cực của môi trường chính trị vượt qua cả nước Mỹ. Tôi là người Canada và sống ở Vancouver BC, nhưng tôi có quan hệ sâu sắc với Hoa Kỳ. Bạn bè và gia đình của tôi sống ở đó và tôi thấy sự thay đổi của đất nước đã khiến tôi bị tổn thương sâu sắc.

Chính trị là một thứ xấu xí. Có lẽ tôi đã quá nhạy cảm, nhưng tôi thực sự cảm thấy như thông điệp của tình yêu đang bị mất đi bằng cách nào đó. Khi tôi ở Rome, tôi đã nghe một câu nói “tất cả chúng ta đều sống dưới cùng một bầu trời”. Sau đó, ai đó đã đề cập đến việc Canada là một bức tranh ghép các nền văn hóa tạo nên đất nước như thế nào; chúng tôi đón nhận những nền văn hóa độc đáo của mọi người dưới lá cờ lớn màu đỏ và trắng.

Trong khoảnh khắc đó, tôi đã biết chính xác mình sẽ vẽ gì. Buổi biểu diễn cá nhân mới của tôi sẽ là một bức tranh khảm của nhân loại. Tôi muốn truyền tải thông điệp rằng màu da không quan trọng, tất cả chúng ta đều có máu màu đỏ, cho dù bạn thuộc chủng tộc nào, thân hình bạn cỡ nào, bạn yêu ai, tất cả chúng ta đều là một phần của thế giới tuyệt vời này. Sự thống nhất, đa dạng và nhân văn sẽ là chủ đề trong buổi triển lãm cá nhân của tôi, bởi vì chúng là những thứ tôi thực sự tin tưởng là điều mà tâm hồn tôi cần thể hiện.

Là một họa sĩ, thật khó để làm việc đúng thời hạn vì không có gì đảm bảo rằng chúng tôi có thể tạo ra ý tưởng chính xác vào thời điểm chúng tôi cần. Tôi rất thích trở thành một họa sĩ và thúc đẩy bản thân đến những giới hạn sáng tạo mới cũng như giúp đỡ những người muốn trở thành nghệ sĩ. Một phần của những gì tôi tập trung trong sự nghiệp là giúp truyền cảm hứng và dạy các họa sĩ mới. Tôi dành nhiều thời gian cho việc tạo các đầu sách How To và trên các lớp học trực tuyến của tôi với Creative Bug và Skillshare.

Tôi đã trải qua rất nhiều để trở thành một họa sĩ chuyên nghiệp. Nếu tôi có thể giúp đỡ người khác thông qua kinh nghiệm của mình, thì tôi muốn làm việc chăm chỉ để chia sẻ và giúp họ phát triển và học hỏi. Tôi không nghĩ rằng mọi người thực sự biết điều đó có ý nghĩa như thế nào đối với tôi khi họ nói với tôi rằng họ bắt đầu vẽ lại vì tôi hoặc họ cũng gặp khó khăn như vậy khi phát triển kỹ năng của mình.

Tôi cũng sẽ mở studio của mình cho công chúng lần đầu tiên trong năm nay. Đó là nơi tôn nghiêm của tôi, nhưng cũng là nơi truyền cảm hứng và màu sắc mà tôi muốn mời người hâm mộ và các họa sĩ tham vọng ghé thăm. Mục tiêu là bắt đầu học trực tiếp tại studio của tôi cũng như trực tuyến. Tôi đã làm việc rất chăm chỉ để đạt được mục tiêu này, vì vậy việc chứng kiến nó thành hiện thực là một trong những điểm nổi bật trong năm của tôi.

Tôi làm việc một mình trong studio của mình, vì vậy tôi thích kết nối với mọi người thông qua mạng xã hội vì nếu không thì đó có thể là một cuộc sống cô đơn. Tôi luôn khiêm tốn trước những gì mà những người ủng hộ nói với tôi. Tôi đã không nhận ra rằng nghệ thuật có tác động sâu sắc đến mọi người cho đến khi mạng xã hội trở thành một động lực mạnh mẽ trong cuộc sống của chúng ta.

Tôi đã khóc rất nhiều lần khi nghe họ chia sẻ câu chuyện về việc nghệ thuật của tôi đã ảnh hưởng đến họ như thế nào. Không thể tin được. Vì vậy, ngay cả trong tất cả những thăng trầm của tôi, công việc bận rộn điên cuồng và lịch trình hội nghị, tôi làm việc chăm chỉ để trở thành người và họa sĩ mà họ vui vẻ ủng hộ và tôi muốn trả lại nhiều nhất có thể.

Tôi hy vọng rằng tác phẩm mới của tôi sẽ truyền cảm hứng và kết nối với họ. Tôi muốn lấp đầy thế giới này bằng vẻ đẹp cũng như tình yêu và sự chấp nhận. ”

5. Bill Shafer, Chủ phòng trưng bày

Dưới đây là một số suy nghĩ của Bill Shafer, chủ sở hữu của Phòng trưng bày Hyaena ở Burbank, California. Bill đã làm việc với nhiều họa sĩ mới bắt đầu, và nhiều họa sĩ được giới thiệu trong bài báo này sẽ triển lãm và tiếp tục triển lãm, trong phòng trưng bày của anh ấy.

Bill có một chương trình làm việc rất cụ thể, để tạo ra một không gian cho phép nghệ sĩ có thể không có “tiếng nói” hợp với phòng trưng bày truyền thống, nhưng dù sao vẫn là một tiếng nói độc đáo và quan trọng. Tôi đã được giới thiệu với nhiều tài năng độc đáo thông qua phòng trưng bày của anh, những người mà tôi có thể đã bỏ lỡ.

Dưới đây là những gì Bill nói về việc chọn họa sĩ cho phòng trưng bày của anh ấy, cho các buổi triển lãm cá nhân và theo nhóm theo chủ đề hàng tháng, cũng như vai trò của anh ấy trong quá trình sáng tạo trong suốt chặng đường:

“Tôi thực sự cảm thấy rằng mục đích của một phòng trưng bày nghệ thuật là đưa ra một quan điểm nghệ thuật và giới thiệu điều đó với công chúng. Nó giống như cách đài FM đã từng làm trước khi việc công ty hóa nhận ngành công nghiệp đó. Bạn sẽ theo dõi một DJ hoặc chương trình radio cụ thể vì bạn thích âm nhạc mà họ chơi. Theo một cách nào đó, bạn có liên quan đến sở thích của DJ và điều đó sẽ được đền đáp khi anh ấy / cô ấy cho bạn tham gia một nhóm nhạc mới nào đó khiến bạn thích thú.

Trong một phòng trưng bày nghệ thuật, họa sĩ là những ngôi sao nhạc rock. Một người quản lý giỏi xây dựng lòng tin của khán giả và liên tục giới thiệu chiều hướng mới vào bối cảnh, nhưng theo cách phù hợp với quan điểm của bạn. Có rất nhiều phòng trưng bày trên khắp đất nước dường như đi theo một danh sách nghiêm ngặt: nghệ sĩ đã biết, nghệ sĩ nổi tiếng, triển lãm theo nhóm có chủ đề dễ tiếp thị, chương trình về nỗi nhớ, nghệ sĩ nổi tiếng, v.v.

Khi đặt các cuộc triển lãm nghệ thuật tại Hyaena, tôi sẽ tìm kiếm những họa sĩ khiến tôi hứng thú. Nếu tôi thấy điều gì đó trong tác phẩm khiến tôi đi đúng tầm, thì tôi biết mình cần phải triển lãm nghệ thuật. Tôi cố gắng và làm việc chặt chẽ với các họa sĩ, nhưng không bao giờ đến mức chỉ đạo họ phải tạo ra cái gì.

Tôi muốn xem những thứ trong đầu của họa sĩ, chứ không phải cách giải thích của họ về tầm nhìn của tôi. Một số người quản lý đi theo con đường phù phiếm và cố gắng tác động đến mọi khía cạnh trong triển lãm của họa sĩ. Tôi nghĩ nếu cứ để họa sĩ tỏa sáng thì công chúng sẽ nhìn thấy những gì ban đầu bạn thấy trong tác phẩm. Tôi cảm thấy việc nuôi dưỡng và hỗ trợ có giá trị hơn việc định hướng tài năng.

Hiện tại, với các họa sĩ mới tham gia trò chơi, tôi sẽ luôn đưa ra các đề xuất về cách tạo ra một cuộc triển lãm thành công. Về mặt giá cả, nếu bạn có ít nhất một vài món đồ phù hợp với túi tiền của người sưu tập bình thường, điều này sẽ giúp thu được số doanh thu ban đầu nhanh chóng. Nó cũng sẽ giúp làm nổi bật và giúp bán các tác phẩm lớn hơn, quan trọng hơn.

Theo kinh nghiệm của tôi, những nhà sưu tập mới bắt đầu thường bắt đầu với quy mô nhỏ và dần dần tiến lên nấc thang nghệ thuật. Như vậy, tôi cố gắng và nuôi dưỡng nhà sưu tập cùng với họa sĩ. Việc có các bản in của tác phẩm sẽ đảm bảo rằng mọi cấp độ của nhà sưu tập đều được chăm sóc và giúp cuộc triển lãm trở nên thành công hơn đối với họa sĩ.

Với các cuộc triển lãm nhóm, hơn tất cả tôi muốn tìm ra một chủ đề sẽ truyền cảm hứng cho các họa sĩ. Quy tắc của tôi là, nếu tác phẩm hay thì công chúng sẽ hưởng ứng. Vì vậy, tôi thường bỏ qua những khái niệm “dễ dàng” để ủng hộ những thứ sẽ truyền cảm hứng cho các họa sĩ. Tôi khiến cho các buổi triển lãm trở nên thân mật, với 15-20 họa sĩ, để mỗi tác phẩm đều được nổi bật.

Tôi xem các cuộc triển lãm theo nhóm tại các phòng trưng bày khác với danh sách họa sĩ có độ sâu hơn 50 tuổi… đối với tôi, tôi cảm thấy giống như một bữa tiệc hơn, tập trung nhiều hơn vào cảnh tượng hơn là nghệ thuật. Vai trò chính của tôi phát huy tác dụng với việc treo triển lãm. Bản thân nó là một nghệ thuật kỳ lạ. Có những vị trí trên tường là tiêu điểm tự nhiên và tôi cố gắng tạo ra một câu chuyện và dòng chảy mà mọi người sẽ phản hồi.

Nếu không ai để ý đến phần đó, thì tôi đã làm tốt. Ngoài ra, tôi còn làm công việc xúc tiến và bán hàng. Mục tiêu của tôi là làm cho tác phẩm nghệ thuật có thể tiếp cận được với tất cả mọi người. Tôi đoán điểm mấu chốt đối với tôi chỉ đơn giản là tin tưởng các họa sĩ và tôn vinh nghệ thuật… đó là lý do tại sao tất cả chúng ta đều ở đây. ”

Kết Luận

Tôi hy vọng rằng bạn thấy phần đầu tiên trong series gồm hai phần này thú vị. Tôi thực sự dự đoán rằng bạn sẽ hiểu rõ hơn về những con đường và quy trình độc đáo mà mỗi họa sĩ thực hiện để đi đến kết quả hoàn thiện, cũng như một số hiểu biết sâu sắc về từng tiếng nói độc đáo này.

Tâm lý đi vào mỗi quá trình lập kế hoạch và sáng tạo của họ, thông điệp mà họ đang cố gắng gợi lên, cũng như sự chân thành và cởi mở mà họ có và với những món quà của họ, và đối với người hâm mộ của họ. Họ rất vui được làm quen và bạn sẽ không hối tiếc khi biết đến tác phẩm của họ.

Tôi hy vọng rằng bạn cảm thấy có sự kết nối nhiều hơn với họ từ việc hiểu rõ từng quá trình và ý định của họ.

Hãy cùng tôi đến với phần thứ hai của loạt bài gồm hai phần này, nơi tôi phỏng vấn Matt Kennedy, của Phòng trưng bày La Luz De Jesus danh tiếng, và nỗ lực mới của anh ấy ở Phòng trưng bày 30 South.

———————————————————————-

Xin chân thành cảm ơn tác giả vì những chia sẻ vô cùng bổ ích!

Nguồn: everydaypower.com
Người dịch: Nguyễn Thị Phương Linh
Khi chia sẻ cần phải trích dẫn nguồn là “Người dịch: Nguyễn Thị Phương Linh – Nguồn iVolunteer Vietnam”

Post Views: 336

Shortlink: https://ivolunteervietnam.com?p=73742

Trong quá trình tổng hợp và chia sẻ thông tin, các tình nguyện viên/ cộng tác viên/ thành viên rất khó tránh khỏi thiếu sót. Rất mong được độc giả cảm thông và góp ý tích cực để giúp iVolunteer Vietnam ngày một hoàn thiện & phát triển.